A la nevera también llevé piezas hechas con arcilla y el ejercicio resultó fascinante, porque allí cabe cualquier forma y, especialmente, porque invita a hacer volar la imaginación. Es una pequeña cuna de creatividad.

El huevito es mi favorito. Sarita me ayudó a dibujarlo; yo puse la idea y después me encargué de pintarlo. ❤️✨ Es de esas piezas sencillas que terminan teniendo un valor especial por la historia que guardan.

Falta tiempo… porque en mi mente ya tengo muchos imanes más. 😊

Por un lado, plato; por el otro, adorno. 😊

La idea comenzó usando una carpeta tejida para marcar la arcilla y darle esa textura que terminó convirtiéndose en protagonista. Cuando vi el resultado, me gustó tanto por fuera como por dentro, así que terminó siendo una pieza doble faz.

Después llegó el color… y con él, el encanto. 🎨✨ Dos maneras diferentes de terminar una misma pieza: una mucho más alegre y llena de color, y otra con ese girasol que terminó dándole una personalidad completamente distinta.

Fue un regalo especial que hice y, aunque me encanta cómo resalta el color, todavía me queda la curiosidad de verla algún día completamente blanca o en un tono claro. Creo que también se vería linda.

A veces una textura es suficiente para que la arcilla te muestre más de una posibilidad. 🤍

Este platico fue, ante todo, parte del aprendizaje. Esta vez el ejercicio consistía en trabajar con molde, explorar una forma diferente de construir una pieza y después jugar con el color.

No hay una gran historia detrás de él. Solo arcilla, práctica y una nueva técnica por aprender.

Y eso también hace parte del camino: no todas las piezas tienen que contar una gran historia; algunas simplemente nos enseñan.

Llevaba dos años explorando este mundo maravilloso de la cerámica, aprendiendo de a pocos y disfrutando al máximo cada parte del proceso en el Instituto de Cultura de Cajicá. Pero había algo que todavía tenía pendiente: sentarme frente a un torno. Y, por supuesto, me llamaba poderosamente la atención.

Mi primer encuentro llegó en un taller demostrativo en Taquira, en Ráquira. Allí, un artesano nos recibió con los brazos abiertos y guio esa primera cita con el torno. Una experiencia corta, pero de esas que dejan ganas de volver.

Después vino un taller en Cajicá, en Diana Villabona Cerámica: una pequeña inmersión, apenas un par de clases, para intentar centrar la arcilla, levantar paredes, equivocarme, volver a empezar y descubrir todo lo que pueden hacer las manos cuando la arcilla comienza a girar.

Y fue suficiente para confirmarlo: esto apenas comienza.

Ojalá me esperen muchas horas frente al torno, mucha práctica, muchos intentos —seguramente algunos convertidos otra vez en un montón de arcilla— y muchas piezas más.

Por ahora quedan estas primeras formas, ya transformadas por el fuego y el color. Y una de ellas lleva algo que me hace especial ilusión: mi sello Jazz. ❤️

Esta pieza no quedó tan pareja como hubiera querido, pero desde que empecé a hacerla tenía muy clara la combinación de colores: quería ese recorrido que va del vinotinto al amarillo y que al final terminó dándole toda su personalidad.

Está hecha con técnica de plancha sobre molde y fue mi primera experiencia haciendo calados en la arcilla. Círculos y triángulos se fueron convirtiendo en parte del diseño y dejaron pasar la luz a través de la pieza.

Y hay un detalle que me encanta: las patas. Cilíndricas, gruesas y con mucha presencia. 😊

No quedó perfecta, pero entre los calados, las formas y esos colores intensos terminó teniendo algo alegre y tropical. De ahí su nombre: Frutero tropical. 🌞

No todas las piezas resultan como uno se las imagina. Algunas, incluso, parecen un verdadero fracaso… jajaja. Aunque, pensándolo bien, tampoco creo que lo sean.

La caja base quedó aceptable. La tapa es otra historia. No sé muy bien en qué estaba pensando cuando la hice tan grande. 🤭 Definitivamente, medidas y proporciones tenían opiniones distintas ese día.

Pero al final llegaron las flores, los colores y ese blanco marfil de fondo que me gustó mucho. Y, de alguna manera, todo encontró su lugar.

¿Perfecto? No. ¿Igual a lo que imaginé? Tampoco. Pero es mío, es único y cumple su misión.

Es mi joyero “sinigual”, en todo caso. 🌸

Hay piezas favoritas y otras que no… Digamos que esta está en el top del ranking descendente de mis piezas menos favoritas. 😅

Este tazón nació como un ejercicio para practicar el trabajo con molde y, en ese sentido, cumplió perfectamente su función pedagógica.

El problema llegó con el color. Lo arruiné. Bueno… eso también es subjetivo, pero definitivamente no fue una buena elección para mí. Ese azul terminó dándole un aspecto sombrío y triste que nunca imaginé.

Y la prueba está en la foto del antes: lo veo blanco y me gusta muchísimo más. 🤦‍♀️

Pero hasta las piezas que no terminan gustándonos enseñan algo. Esta me dejó práctica con el molde y, de paso, una lección sobre el color: a veces hay que saber cuándo parar.

Y sí, aunque esté en los últimos puestos de mi ranking, también hace parte del camino. 🤍

La técnica del pellizco es una de las que más disfruto en cerámica. Consiste en partir de una bola de arcilla y, únicamente con la presión de los dedos, ir abriendo y modelando hasta conseguir una pieza hueca.

Me gusta mucho más que el famoso rollito. No sé por qué, pero con ese no conecto tanto. 😅

Así nació esta fruta que, la verdad, nunca he visto en la vida. 😂 Pero me gusta su forma, redondita e imperfecta, y esa tapa que terminó de darle personalidad.

Para hacerla combiné dos arcillas: la tapa está elaborada en una arcilla de color natural, mientras que la fruta y la hoja fueron hechas en terracota. Después de pasar por el horno, el contraste entre ambas quedó muy chévere.

Al final intervine la fruta y la hoja con puntos y trazos de engobe azul. Ese azul sobre la terracota terminó siendo el detalle que le dio su toque especial.

No sé cómo se llamaría esta fruta si existiera… por ahora, simplemente vino del otro mundo. 💙

Este tiene el dudoso honor de ser el proyecto que menos me ha gustado. 😅

En realidad fueron dos hueveras dentro del mismo ejercicio. La idea era experimentar con una forma poco convencional y salir del diseño tradicional.

Con la azul, en mi cabeza la idea sonaba bien. El resultado fue otra cosa: un corte brusco y, para mi gusto, más bien feito. El azul claro, los pequeños corazones rojos y el azul oscuro de la parte inferior le dieron su apariencia final, pero nunca llegamos a conectarnos. 😂

La otra huevera tomó un camino completamente distinto: fondo claro y manchas en amarillo, coral y dorado. No fue una transformación de la primera, sino otra pieza que hice dentro del mismo ejercicio.

Y entonces pasó algo inesperado con la azul. Una persona la vio en mis estados y le encantó. Así que se la regalé. 😃

Ahí estuvo la mejor parte de este proyecto: recordar que la belleza también es subjetiva. Lo que para mí era una de mis piezas menos logradas, para alguien más era especial.

Entre gustos no hay disgustos. Lo que no era bonito para mí sí lo era para alguien más y, por eso, entendí que su lugar estaba allá.

¡Genial! 😃

Ya les había contado que me gusta mucho la técnica del pellizco. Y esta pieza nació precisamente de ahí: una especie de rodaja con varios espacios, ideal para compartir pasabocas, tentempiés o esos bocaditos que siempre saben mejor cuando se ponen en el centro de la mesa.

Desde el comienzo la imaginé como una tajada de mandarina o de naranja. La forma estaba ahí, clarísima. Pero a la hora de darle color escuché otras recomendaciones y terminé tomando un camino diferente.

Y me quedó una lección.

Así como muchas veces es bueno escuchar a los demás, también hay momentos en los que vale la pena persistir en lo que pensamos desde el principio. Ser fieles a nuestras propias ideas también hace parte del proceso creativo.

Debí pintarla como aquella rodaja de mandarina o naranja que había imaginado. Estoy segura de que el resultado habría sido aún mejor. Pero quizá necesitaba hacerla así para aprenderlo.

Y esta pieza, además, tuvo su pequeño momento de exposición: estuvo exhibida en la Casa de la Cultura de Cajicá. Así que, naranja o no, salió de casa y tuvo su propia vitrina.

Esta pieza nació de algo muy sencillo: mi hermano encontró un trozo de madera y me lo llevó para que hiciera algo con él.

Y yo inmediatamente pensé en mi Romeo. Su espacio todavía no tenía su nombre y aquella tablita parecía perfecta para ponerle ese pequeño detalle que le faltaba.

Por supuesto, tenía que aparecer la arcilla. Así que moldeé un gatito inspirado en él, lo pinté y lo integré a la madera, aprovechando incluso su textura y su forma natural.

El resultado fue esta tablita que hoy acompaña su espacio. No es una pieza grande ni complicada, pero tiene de esas pequeñas historias que hacen que algo sencillo termine teniendo mucho significado.

Este juego de pocillo y plato tiene un encanto especial para mí. Me gusta mucho el color natural que tomó la arcilla después de pasar por el horno y cómo terminó combinándose con la decoración de inspiración precolombina que elegí.

También disfruté hacer que el diseño del pocillo continuara en el plato. Los trazos, las formas y esos pequeños toques de color terminaron dándole una identidad muy particular.

Pero esta pieza también me dejó una lección para el próximo pocillo: el grosor de las paredes importa mucho. Las dejé demasiado gruesas y, aunque el pocillo funciona, no resulta tan cómodo a la hora de tomarse un tintico.

Es uno de esos detalles que solo se descubren cuando la pieza deja de ser un ejercicio y empieza a usarse de verdad.

Aun así, me parece fantástico. Tiene imperfecciones, sí, pero también tiene algo que me gusta mucho: se siente hecho a mano, tiene carácter y es completamente mío.

La propuesta era hacer una figura precolombina. Hasta ahí, todo iba según el ejercicio… pero se me ocurrió sacarla un poquito de su época.

¿Qué pasaría si le ponía unos audífonos y un bajo eléctrico —o quizá una guitarra— entre las manos?

Lo hice para ver cómo se veía y creo que terminó dándole un toque muy simpático. Me gusta ese contraste entre una figura inspirada en lo precolombino y dos elementos que pertenecen completamente a nuestro tiempo.

Esta pieza fue fruto de una experiencia en el Museo Arqueológico Casa del Marqués de San Jorge, en Bogotá. Una salida interesante, de esas que no se quedan solamente en lo que uno vio o aprendió, sino que además terminan convertidas en recuerdos.

Y en este caso, también en arcilla. Una pequeña figura que quedó guardada en mi propio baúl de los recuerdos.

Me gusta cuando en una misma pieza puedo jugar con varios elementos. En estas dos placas se mezclaron flores, calados y cortes irregulares, dejando que cada detalle aportara algo diferente al resultado.

Decidí conservar la base en el color natural de la arcilla, porque ese tono neutro permite que sean las rosas las que se lleven todo el protagonismo. Una con colores más intensos y profundos; la otra, mucho más cálida y luminosa.

Los calados de las hojas también hicieron parte del juego: pequeños espacios vacíos que terminaron convirtiéndose en otro elemento del diseño.

Al final surgieron dos piezas distintas, pero nacidas de la misma idea. Dos flores en placa que pueden colgarse en una pared del jardín y llevar un poquito de cerámica a ese lugar donde las flores de verdad ya hacen lo suyo.

Otra versión para esos bocaditos que se ponen en el centro de la mesa para compartir. Esta vez quise experimentar desde la forma: usé una tela para moldear la arcilla, aprovechando sus pliegues para crear las divisiones de la bandeja.

Después llegaron los pequeños detalles, y creo que son precisamente los que hacen que esta sea una pieza para mirar con calma. Hay piñas, cerezas, bananitos y esa fruta en el centro que termina reuniendo toda la composición.

También hay algo particular en el color de la base. Esas manchas y variaciones no fueron planeadas como decoración: mezclé dos arcillas que tenía simplemente para ver qué pasaba. Y el horno hizo el resto.

Me gusta porque conserva las huellas de varios experimentos en una sola pieza: la tela que le dio la forma, las dos arcillas que se encontraron y esas pequeñas frutas que terminaron dándole vida.

Al final, una bandeja para servir pasabocas… pero con bastantes cosas que contar.

El ajolote es un animalito exótico bellísimo, así que quise inspirarme en él para crear la pieza rosada. Y como uno solo no era suficiente, apareció también este sapito verde que terminó haciéndole compañía.

Los imagino en el recibidor de mi apartamento, llenos de dulces para ofrecer a quien llegue. Y digo “los imagino” porque mi gatico Romeo no me deja cumplir ese sueño. 😂🐱

Hay un detalle que comparten y que me encanta: sus patas. Se las hice así, grandes y muy particulares, porque les dan mayor firmeza… y porque a veces simplemente provoca hacer las cosas diferentes. Para eso también está la libertad de crear, ¿no? Jejeje.

Dos piezas utilitarias, divertidas y con personalidad propia. Y aunque cada una representa un animal diferente, juntas parecen haber sido hechas para acompañarse.

Yo quería que la casita —o la cueva— de este pesebre fuera en piedra y que tuviera luz. Por eso, desde su concepción 😁, fue pensada para dejarle unos huequitos donde se le pondrán luces en Navidad.

Darle ese acabado imitación piedra fue cuestión de hacer varios ensayos con mi profesora de cerámica, hasta que encontramos el punto.

La figura central reúne a San José, la Virgen y el Niño Jesús, junticos y abrazados. El burrito y el buey los hice aparte para darle profundidad a la composición.

El burrito quedó con las orejitas muy largas, pero creo que justamente ese detalle le da un sello único y muy especial.

En cuanto a la cerca que aparece en su etapa inicial, esa no funcionó y tocó prescindir de ella. También eso hace parte del proceso: algunas ideas nacen con la pieza y otras se quedan por el camino.

Este pesebre es, ante todo, mi pequeño tributo a Jesús.